关于川剧音乐状况与传唱问题的思考——在四川省川剧音乐现状研讨会上的发言

　　每当在公共场所，听到人们唱戏曲段子时，总有一种亲切感。但也夹带遗憾。毕竟身为川人，又在川剧乐池打发了半身，然而多数时候听到的还是京剧、越剧、黄梅戏和豫剧的段子，内心犹如打翻了五味瓶，很不是滋味。川剧音乐为何遭遇冷落？很值得研究。

　　川剧音乐现在的四种状况

　　川剧音乐离不开川剧团，现在能常年坚持演出的川剧院团，已从上世纪八十年代的160多个，锐减到现在的10来个，其中常年坚持演出的仅占一半。绝大多数最贴近基层老百姓的县市区级川剧团早已被撤销（这在川剧事业的发展上，到底是功是过，因不在本文题旨范围，不赘述。相信历史会作出结论）。川剧团减少了，民营川剧团和火把团体以及玩友协会却增多了。川剧音乐就以四种状况，分别存在于川剧院团和民营川剧团以及火把团体与玩友协会之中。

　　一、老戏老唱、音乐呈现出程式性。

　　我说的程式性是指唱腔中的曲牌、板式，可以泛用于同类剧目或同类人物。如在情感或情绪相同的情况下，此角可唱，彼角也可唱，为不同的剧目和不同的角色、所共用。民营川剧团和火把团体，由于没有政府的经济支撑，只能频频更换演出剧目，不断搬迁台口，演出场地简陋，人员的不固定，方方面面条件的局限，因而只能是老戏老演，音乐状态也只能是程式性的。川剧高腔的帮、打、唱完全退回到原来的徒歌样式。如遇鼓师与帮腔的“道行”不深，还会有漏帮与乱套乱打的情况出现。弹戏、胡琴、昆腔、灯戏等需要乐器伴奏的腔种，也往往只有上下手，甚者只有上手，一人伴奏，其音色之单调不难想象。而川剧音乐在玩友里的状况，则比民营团体更糟糕。绝大多数观众的审美情趣是在剧情故事中寻求共鸣，而不是欣赏音乐。这是川剧音乐在最基层的状况。

　　所谓新传统是指在上世纪五十年代初进团的被称之为“新音乐工作者”的人，如：何国经、杨为、韩铮、刘嘉慧、解俊楷、李胡昌、何绍成……等等，不一一列举。他们在与老艺人的合作中，从开始的记录整理，到后来的自成体系，不仅自己谱写唱腔，还新创舞蹈音乐与伴奏谱，其中最典型的要数《别洞观景》、《桃花村》、《拷红》等等。这些折子戏，观众爱看爱听，演员乐于演出，艺人代代相传，至今还显现在舞台和银屏上，这种传统可谓新传统。这类剧目和音乐从省市级团体至到民营川剧团，都能见到其演出。可谓经久不衰。

　　这种状况大多存在于市县区川剧团。这些团体属国家事业编制单位，人头经费有保障，在硬件与软件的配置上，比起民营和火把川剧团要好得多。但在演出和生产新剧目上，同样困难重重。问题的要害也是财力不够。搞舞台艺术，没有相应的经费支撑，终归是一句空话。但市县区级川剧团的命运就是如此，该演时要演，该生产新剧目时还得抓紧排练，当然，随之而来的就是一切从简，凑合了事，离开初的艺术构思与设想差距甚远。艺术生产者常常是无可奈何！川剧音乐在这里就出现了传统唱腔与改革音乐并行的状况。在铺垫戏与过场戏中，则按传统格式演唱。重场戏和重头唱段则由曲作者谱写，新谱写的音乐已不再是程式性的了，在主要方面做到了专人专曲。即是此曲只为此剧目中的特定人物演唱，换一个剧目或人物就不能再用。它与程式性音乐正好相反。传统唱腔与改革音乐并行的这种生产方式周期相对短，符合基层剧团剧目更换快的特点。

　　四、全方位突破。

　　这种状况主要存在于四川省和重庆、成都两市的川剧院以及一些地级市川剧团（如自贡川剧团）。这些团体是川剧剧种的顶尖级剧团，人才荟萃，编制齐全，经费充足，条件优越。他们新排演的剧目，往往从剧本、导演、演员、灯光、音响、舞美，直到音乐，各个方面都在体现改革。曲作者不仅要谱写整本戏的主旋律，还要配器、织体写总谱。无论是新编历史戏还是现代戏，剧中人的音乐形象做到了专人专曲，音乐在本质上起了新的变化。传统音乐只是作曲家手中的素材，本剧种与它剧种可相互借鉴，民间音乐和歌曲也可用于剧情的深化，传统的声腔发展原则与西洋作曲法也可相通相融，和声、复调、织体等外来作曲技法，在新生产的剧目中屡见不鲜。这样的剧目，力求与新时期的审美情趣同步，从视觉和听觉两方面为观众提供新的愉悦。

　　文化大革命之前，文艺的传播途径少，戏曲独领风骚，颇受观众青睐。川剧因而也长期存在三多现象（剧团多，演出多，观众也多）。茶肆酒楼、街头院落，乃至田垅地角，间或还会传来川剧的几声唱腔。可谓“粉丝”不少，爱者众多，一片繁荣景象。那时川剧覆盖云、贵、川三省，号称全国四大戏曲剧种之一。川剧界名流那种沾沾自喜，自我感觉之良好，真叫“不摆了”。不料世事变化，文艺的传播途径越来越先进和多样，过去被我们视为小剧种的黄梅戏、越剧等竟率先“触电”。《天仙配》、《女驸马》、《红楼梦》、《追鱼》等电影片相继在全国播放。其覆盖面之广，影响之大，是舞台演出根本无法匹敌的。当这些戏曲片的唱段已在全国传唱时，川剧界的领导们才恍然大悟、起而步其后尘赶拍了一部《川梅吐艳》。且不说时间上慢了两年，仅从可欣赏性与可听性来比较，那也是差了许多。黄梅戏的“树上的鸟儿成双对……”一夜之间似乎成了经典，唱响天南地北，至今仍广为流传，而《川梅吐艳》却没有什么名段名句流传下来，到了今天，恐怕除了川剧界的一些老年从业者和爱好者，连知道这部片子名称的人都很少。《川梅吐艳》被圈内一些人讥讽为“川梅吐痰”。按理说、有关人士应该反省，从中吸取教训。可谁也没有这样做，致使川剧离时代的发展越来越远。改革开放后，广播电视进入千家万户，卡拉OK遍布城乡，网络发展异常迅猛，文化艺术的传播日趋多元，可川剧仍死守舞台这一传统的传播途径，没有更多的剧目进军广播电视与网络，也没有唱段占领卡拉OK，加之四川电视台原本就办得不出色的川剧栏目，不是总结经验，设法改进，而是采取停办的方式，让它无疾而终，从公众视线中彻底消失。这就使得日益减少的川戏迷只好改弦更张，另寻所好。川剧的传播途径狭窄，是川剧唱腔传唱不开的原因之一。

　　原因之二是一些新排演的剧目，还未来得及与广大观众见面，或因汇演结束，或是政绩工程的使命业已完成，就寿终正寝了。也有一些大制作，下大力气排演的剧目，因排场不小，乐队编制较大，下基层困难，县和县以下的观众就无缘相见。又因票价较高，基层观众大多无力问津。如此下来，广大观众失去了，作曲家呕心沥血谱写的唱腔自然也就传唱不开。

　　原因之三是音响效果差。音响的好坏直接影响着听觉的效果。而音响的优劣又与音响设备的档次与音响师的水平相关。现在能演出的川剧团，大多没有专职的音响师，加之音响设备落后，在演出时声音嘈杂炸耳，或声波大小不均时大时小，听完一场戏，观众不仅没有赏心悦耳之感，反而会觉得困倦劳累。再美的唱腔在拙劣音响的传播下，都会令人难以入耳，适得其反。

　　近二十年来新排演的川剧，绝大多数由作曲家谱曲。尽管这是一行专业性强，受制约因素多，非常辛苦而又是替人作嫁的职业，但作曲家们仍乐此不疲，希望自己的作品演员喜欢唱，观众喜爱听。可是在具体的作曲过程中，有的曲作者追求技巧过度，把戏曲的声腔发展原则与西洋的作曲技巧不加分析地通通用上，造成了技巧堆砌与剧情的需要相左。也有的曲作者在谱写唱腔时，追求句句动听，忽视了没有对比就没有艺术的道理，其结果是一句都留不下印象，造成学唱川剧太难的感觉。民歌中的分节歌与西洋作曲的重复法，不就是多段歌词反复咏唱音乐主题，造成了好记、易唱的结果吗？要改变这种情况，我认为要解决一个认识问题。通俗化、大众化并非是“低级”的代名词，当前“普及”才是作曲家应该努力追求的目标。可惜、这方面的尝试太少了。愿今后有更多的作曲家来做这种实验。倘能如此，那好听、好唱、好学的川剧唱段就一定能在广大爱好者中传唱开来。

　　彭潮溢（1943年1月_）笔名聪冲，四川简阳人。曾任资阳市首届政协常委，简阳市第七、八、九、十届政协委员，广播电视台副台长，文联副主席。

　　1960年参加工作，曾从事演奏、作曲、指挥、广播电视文艺编辑等工作，职称国家一级编剧。系中国音乐家协会会员。曾任四川省音乐家协会第四、五届理事，内江市音乐家协会副主席，资阳市音乐舞蹈家协会主席，简阳市音乐家协会主席。现任四川省川剧理论研究会音乐专业委员会副主任兼秘书长，网络平台《乐涛风潮》主编。

　　其作品涉及歌曲、戏曲、舞曲、歌剧、器乐曲、论文、广播剧、广播文艺等多种体裁，著有专著《川剧音乐探微》《川剧经典唱段100首》《彭潮溢广播文艺获奖节目选集》彭潮溢歌曲CD专辑（一）《心愿》（二）《云朵上的歌谣》获奖作品76部〔首、篇〕；编辑有专著《中国川北灯戏音乐》《简阳市音乐家协会志》专刊《四川音乐舞蹈》多期，网络平台《乐涛风潮》70多期。1994年被评为简阳市科技拔尖人才。传略已入编《中国音乐家辞典》《中国当代文艺家词典》《世界华人文学艺术界名人录》等13部辞书。